ARCO 2012

Feria Internacional de Arte Contemporáneo. 15-19. Febrero. 2012. 

Expectación por las galerías que abandonaron la feria y que han vuelto este año: Chantal Crousel, Micheline Szvajcer, Esther Schipper, Carlier Gebauer, Mehdi Chouakri o Andersen's.

Merece especialmente la pena todo el bloque de las galerías holandesas, con su entrega al arte conceptual y a la revitalización de laperformance en su doble versión: consagrados y emergentes. Esencialmente multiculturales, el programa Focus Países Bajos cuenta con la presencia de varios artistas españoles: Lara Almarcegui (1972), en la galería Ellen de Bruijne Proyects, de Ámsterdam; Pere Llobera (Barcelona, 1971), en Fons Welters; o Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970), quien ocupará todo el espacio deTegenboschvanvreden con una reflexión sobre el arte y el poder .

También es de esperar que no defrauden habituales de la feria comoSoledad Lorenzo, Helga de Alvear, Juana de Aizpuru, Oliva Arauna (con los italiano Botto & Bruno), Ivorypress ( Ai Wei Wei ), Isabella Bortolozzi(Leonor Antunez) o Casado Santapau (Aldo Chaparro).

Por último, la galería madrileña Espacio Mínimo, una habitual de la feria que este año, en lugar de obra, plantea una reflexión colectiva sobre el sentido la feria. 

http://www.ifema.es/ferias/arco/default.html

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/02/03/actualidad/1328301583_516750.html

CHAGALL

 Organizada por el Museo Thyssen- Bornemisza y la Fundación Caja Madrid se celebra la primera retrospectiva del artista  en España. La exposición tendrá lugar desde el 14 de febrero al 20 de mayo.

Dividida en dos sedes, los espacios del museo y los de la Sala de las Alhajas (Plaza de San Martín, 1), la exposición, que reúne más de 150 piezas, descifra las distintas etapas en la trayectoria del pintor: desde los tanteos primeros hasta el último tramo de una vida casi centenaria

Entre otros aspectos  revela la relación de Chagall con el colectivo surrealista, tanto en el plano estético, como en la búsqueda de los sueños revolucionarios que lo acompañarán en parte de su vida; y la influencia del judaísmo en su producción.

http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/15

http://en.arapacis.it/mostre_ed_eventi/mostre/chagall_il_mondo_sottosopra

TÀPIES FRENTE A TÀPIES

Obra expuesta en el IVAM

La muerte de Antoni Tàpies supone una gran pérdida para el mundo de la cultura, y no sólo del arte, pues fue un intelectual que, además de introducir el arte español en el panorama internacional de la segunda mitad del siglo XX, era un pensador, un poeta que transformaba la propia naturaleza de las cosas.

Museo MACA con obra de Tàpies

El próximo 20 de febrero y hasta el 20 de marzo de 2012, el IVAM (Valencia)  exhibirá algunas de las 76 obras más significativas que conserva de Antoni Tàpies, con el fin de rendir homenaje al maestro fallecido.

La muerte de Tàpies coincide además con el inicio de la exposición Dual-es, Tâpies fente a Tàpies en el MACA de Alicante.

Miquel Barceló se despide de Tàpies con estos versos:

El més gran mestre de la pintura del meu país: les tres coses, mestre, pintor i català, en grau màxim.

Un home sencer

El peix més gran i més vermell de la tenassa

MIRADA BAJO EL AGUA

La fotógrafa Mercedes Fittipaldi presenta “bajofondo”, donde exhibe seis fotografías inéditas de las colecciones en las que ha estado trabajando durante el 2011, con la  producción de Estudios Omh. En la exposición podemos descubir que el agua es la principal  protagonista que nos invita a interpretar la forma y la materia, a través de su mágica mirada.

Del 26/01/2012 hasta el 29/02/2012
Lugar: Söda Bar. Alicante

http://www.mercedesfittipaldi.com/blog/

DISEÑO DE ULM EN VALENCIA

Póster de la HfG diseñado por Margarete Kögler en la clase de Otl Aicher.

Maqueta para el estudio de la forma continua del taller de Tomás Maldonado

 La exposición 'Modelos de Ulm 1953-1968: El diseño de la nueva Alemania', es una muestra coordinada por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV) que estará en Las Naves de Valencia hasta finales de febrero.

La exposición ilustra a través de fotografías, textos, modelos, gráficas, diseños, productos y videos, la historia y los principios de la Escuela de Diseño de Ulm, cuya metodología definió las características del diseñador actual y sigue influyendo hoy en día su formación profesional.

En ella se incluyen los valores de funcionalidad en los productos y conceptos teóricos aplicados al diseño como percepción, ergonomía o semiótica nunca antes vistos e indispensables hoy en día en cualquier escuela de diseño

Su filosofía consistía en ofrecer a la industria y a la sociedad con soluciones racionales que posibilitaran el progreso científico y tecnológico, mediante etapas de diseño claramente justificadas y el uso de nuevos materiales, medios y técnicas. 

http://es.wikipedia.org/wiki/Hochschule_f%C3%BCr_Gestaltung

LA CARMEN DE PICASSO

La exposición antes comentada de “el Eterno femenino” de Picasso nos recuerda la que se celebró en el Museo de Picasso de París en torno al tema del papel de la mujer y más concretamente el de una figura tan española como la de Carmen, En esta muestra se reunieron 220 piezas en las que Carmen fué la musa.

Pinturas, dibujos, acuarelas, grabados o simples cartas postales son el conjunto ecléctico del que se sirvió Picasso para dar sentido a una visión de la mujer, heredada tanto de la literatura como de la experiencia en los burdeles o de las sucesivas las conquistas femeninas del pintor.

La historia nos dice que Picasso se interesó por el mito de mujer libre y cambiante en 1898, plasmado en la figura de Carmen de Mérimée. A lo largo de su carrera esto inspirará grabados y dibujos en el artista.

http://www.bcn.cat/museupicasso/ca/museu

http://www.artespain.com/23-03-2007/noticias/220-veces-carmen-pinta-picasso

PICASSO: EL ETERNO FEMENINO

La expresión "eterno femenino" acuñada por Goethe reúne a la madre y a la amada en un principio universal que remite a la propia Eva y que, por tanto, unifica a las diversas modalidades de la mujer en un modelo intemporal y platónico. Un concepto que se materializa en la obra de Picasso, quien hizo de la figura femenina uno de sus temas iconográficos más recurrentes

La multiplicidad de modelos femeninos se plasma en las catorce secciones en las que se articula esta exposición en las que los grabados ilustran, además, las distintas técnicas de la obra gráfica de Picasso. Espejo del alma, Retratos de Françoise, Retratos de Jacqueline, La herencia del Renacimiento, Mujeres imaginadas, La herencia cubista, La mujer sentada, Divino tesoro, Misterio y silencio, La mujer y el artista, La mujer observada, La mujer que observa, La profundidad de la piel y Damas del tiempo de antaño componen un bellísimo recorrido por la infinidad de mujeres que habitan el universo de Picasso.

(2 de febrero- l 8 de abril 2012)
Fundación Canal. Calle Mateo Inurria, 2. Madrid

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/02/01/madrid/1328097977.html

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/02/01/album/1328100343_105943.html#1328100343_105943_1328110107

¿CUANTAS GIOCONDAS?

A la izquierda, la pintura original de Leonardo ya la derecha la recién re-descubierta en los fondos del Prado

Num. de catálogo P00504 Autor Anónimo (Copia Antigua Leonardo da Vinci)

Título Mona Lisa, o La Gioconda Cronología Primer cuarto del siglo XVI

Técnica Óleo sobre madera de chopo Medidas 76 cm x 57 cm Escuela Italiana. No expuesto

Durante años, un delicado retrato semejante a 'La Gioconda' (1503-1506) de Leonardo da Vinci colgó en las paredes del Museo del Prado. Una tela con la misma figura de mujer, aunque sin fondo. Sin paisaje. O con el paisaje oculto por la pátina del tiempo tras una espesa masa oscura.

La limpieza de la tela ha permitido descubrir que este retrato fue ejecutado en el mismo taller de Leonardo, probablemente en la misma época en la que el artista italiano trabajó en la tela original.«Las investigaciones dejan ver que un discípulo de Da Vinci pudo ir 'documentando' 'La Gioconda' del maestro al mismo tiempo que éste la pintaba, comentan fuentes del museo. Y esa copia en 'streaming' es la que hoy posee el Prado.

Después de tantos años oculta la pregunta que surge es ¿También esconde  sorpresa la copia de la misma época de la figura de la Gioconda que también se localiza en el Prado?

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/02/01/cultura/1328093070.html

http://www.museodelprado.es/coleccion/galeria-on-line/galeria-on-line/obra/mona-lisa-o-la-gioconda/?no_cache=1

ROGER BALLEN EN ARCO 2012

Roger Ballen
Funeral rites, 2004
B/w photograph

Retreat (2005)
Silver gelatin print, 20"×20"

“Creo sinceramente que un proyecto que no es difícil no merece la pena ser desarrollado, ya que uno conoce las respuestas a las preguntas incluso antes de haber comenzado”, Roger Ballen.

El arte de Roger Ballén (Estados Unidos, 1950) es imposible de olvidar. Nacido en Nueva York hace 61 años, vive en Sudáfrica desde hace treinta, país que le ha inspirado profundamente. Su mirada  llega a lugares recónditos de la mirada que no se esperaban encontrar. Despierta la curiosidad y llega a lo incierto, descubre aspectos sorprendentes y banales a la vez.

En su obra se mezclan animales y seres humanos, la limpieza y la suciedad, lo vivo y lo muerto, lo real y lo imaginado. A pesar de que la mayor parte de sus obras (sobre todo desde 1970 hasta la década de 1990) siguen las pautas de la fotografía documental, tienen una atmósfera psicológica de irrealidad que las hace diferentes. Y es que Ballen transforma y mezcla las cuestiones sociales con los propios asuntos internos.

Sus retratos ambiguos y sorprendentes de personas, animales u objetos posando en habitaciones que asemejan celdas, ocupan el espacio gris difuminando las fronteras entre la fotografía de reportaje y las formas artísticas como la pintura y la escultura. 
Podremos mirar su obra en la celebración de ARCO de este año. 
http://www.rsf.es/index.php?option=com_content&task=view&id=370&Itemid=182
http://www.rogerballen.org/services/Events.html

DAVID SHRIGLEY

                El próximo 1 de febrero ocupará las salas de la Hayward Gallery de Londres con una retrospectiva de media carrera que reunirá su trabajo realizado en los últimos cuatro años. 

 David Shrigley ironiza, satiriza y estiliza grotescamente la realidad. También ve el mundo mediante el esperpento. Como los de Max Estrella, sus héroes beben de un sentido trágico a raíz de una estética deformada. Animales, insectos, monstruos o personajes deformes son irreverentes, asociales, crueles, divertidos, entrañables. Sus obras son una mezcla de fantasía y obviedad, utopía y evidencia, humor y absurdo.

Sus formatos son múltiples: dibujos, animaciones, esculturas, pósters, instalaciones, páginas web, fotografías, postales, portadas de discos, libros, camisetas... y libros como el último: Sus libros, Pero ¿qué coño estás haciendo?

El artista explica su método de trabajo:  “Cada vez que trabajo intento hacerlo lo más económicamente posible: utilizar tan pocas líneas como sea necesario. Cuantas menos mejor. Siempre estoy pensando y dibujando al mismo tiempo. Nunca redibujo nada”

http://www.davidshrigley.com/

http://www.elcultural.es/noticias/ARTE/2686/David_Shrigley-_El_mercado_del_arte_esta_alimentado_por_los_excesos_de_ciertos_r

ANDY WARHOL. PORTRAITS

La Obra Social de Ibercaja ofrece en su sala Patio de la Infanta de Zaragoza Andy Warhol. Portraits, una exposición compuesta de 99 piezas que ofrece un recorrido por la vida y obra del máximo exponente del Pop Art, desde su infancia hasta su muerte en 1987; desde la primera fotografía que se conserva del artista, cuando tenía tres años, hasta sus últimas obras, creadas meses antes de que falleciera.  ¡ PARA NO PERDERSELA ¡

http://www.hoyesarte.com/exposiciones-de-arte/en-cartel/11013-zaragoza-muestra-los-retratos-de-warhol.html

VA POR USTEDES

 Del 20 de enero al 20 de febrero de 2012. Galería O+O, Valencia.

Bajo el título “¡Va por ustedes!” la Galería O+O de Valencia, dirigida por Enriqueta Hueso, nos presenta su nueva exposición colectiva formada por las obras de Miguel David, Consuelo Font, Marta Martínez, Inés Ramseyer y Justo Algaba.

A destacar la obra de Marta Martínez encuentra en la fotografía basada en las enormes posibilidades que le ofrece el agua y los submundos que se ocultan en las gotas. Fotografías de agua cristalina que nos muestran una realidad fragmentada y modificada. Gotas de lluvia o rocío que se suspenden en el aire, caen o se fusionan en pequeños charcos.

Por su parte, Inés Ramseyer presenta unas instantáneas que van más allá de la imagen capturada, gracias a un sutil juego de cambio de escalas y perspectivas. La visión personal de la artista se apodera del espacio representado. En un trabajo de construcción e investigación, Ramseyer, crea imágenes que se alejan de la realidad, de lo que ha fotografiado, evocando espacios imaginarios.
Gracias a la luz, gran protagonista, se logra sacar de contexto elementos mediante la transformación de su percepción. Composiciones de espacios vistos a través de colores alterados, contornos diluidos y materias transformadas. 

http://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/va-por-ustedes-en-la-galeria-oo/

PHILIPP FRÖHLICH “Remote Viewing”

 Del 19 enero al 25 febrero de 2012. Galería Soledad Lorenzo, Madrid.

La pintura de Philipp Fröhlich se caracteriza por un planificado trabajo de capas de color superpuestas en pinceladas ligeras, como un tramado fragmentado de elementos translúcidos.

El conjunto pictórico aparenta una realidad pero se nos revela descompuesto como un auténtico conglomerado, en los límites entre abstracción y figuración, y en los márgenes entre realidad y ficción, visión e intuición.

El artista fija su atención en sucesos encontrados a través de diferentes medios: literatura, fotos viejas, noticias... que le llevan a realizar maquetas que luego traslada al lienzo. Estas maquetas, en sus propias palabras, le sirven como “muletas” en las que apoyarse, además de permitirle juegos de iluminación específicos e imposibles en condiciones normales, que sin duda dotan a sus imágenes de una plasticidad muy sugerente y dotadas de un halo simbolista y fantástico 

 http://www.soledadlorenzo.com/artistas/frohlich_2012/es/invit.html

SERRA ¿VERSUS? BRANCUSI

El Museo Guggenheim Bilbao presenta, del 8 de octubre de 2011 al 15 de abril de 2012, Brancusi–Serra. 

  Ambos artistas conciben la idea de estudio de una forma muy distinta. La relación entre las obras y el espacio que las circunda era fundamental para Brancusi, para Serra “. Me interesa la escultura en la que el artista es productor de un ‘anti-entorno’ que toma su propio lugar o pone su propia situación, o divide o declara su propia área. Esto es imposible si la escultura se construye en el estudio, luego se saca de él y se adapta a un lugar".

Tanto Brancusi como Serra reinventaron la escultura cuestionando el proceso tradicional, el uso de los materiales, la experiencia total y la relación entre el arte y el espacio, el material es un medio para alcanzar un fin: si el material que el artista utiliza es yeso, la obra tiene un aspecto poroso y sencillo; si es bronce, el resplandor del material transmite arrogancia; el alabastro es pesado y confiere a la pieza una sensación arcaica e intemporal.
El pedestal en la obra de Brancusi adquiere una cualidad escultórica sin precedentes. Para Richard Serra, la desaparición del pedestal supone una ruptura en la historia de la escultura. Según el artista estadounidense, este elemento añade solemnidad a la obra. Por ello, Serra evita la distancia que el pedestal establece entre el espectador y la obra, permitiendo una mayor interacción entre ambos
La relación de las obras de Brancusi con el espacio a su alrededor y los vínculos que se establecían con los volúmenes próximos y la percepción del espectador constituyeron una de las preocupaciones evidentes del artista rumano. Serra, además, hace que sus esculturas establezcan un diálogo con el entorno en el que se sitúan y con las percepciones del espectador, al que el artista invita para que transite alrededor, por encima o por dentro de la obra, sintiéndola desde múltiples perspectivas.
http://www.guggenheim-bilbao.es/microsites/brancusi_serra/index.php?idioma=es